Da quando siamo entrati nell'era dell'Antropocene, l'acqua, origine della vita, è aumentata. I mari si stanno innalzando di 3,5 mm all'anno. I fattori sono diversi (scioglimento dei ghiacci, espansione degli oceani...). ^[3] , ma una cosa sembra certa: abbiamo una responsabilità collettiva. Secondo il paradigma della scienza, l'innalzamento dei mari riattiva le nostre antiche paure del diluvio. L'acqua è onnipresente e preziosa, polimorfa, fluida, calma o tempestosa. Il 70% di acqua che ci compone risuona con la stessa quota di acqua che ricopre la superficie terrestre. Se la scienza osserva questo confronto, la poesia lo insegue e suggerisce che questa uguaglianza induce una relazione tra il mare e noi stessi: la nostra mente, il nostro cervello, non immagazzina localmente la nostra storia e la nostra memoria, ma agisce come un ricevitore il cui corpo costituisce l'antenna che solo interpreta e individualizza i nostri pensieri. La nostra memoria è l'acqua stessa. L'emozione è il messaggio e la gioia è lo strumento più potente per accedervi. La gioia stessa è il motore o il pretesto, il desiderio o l'esigenza delle nostre ripetute immersioni in questi mari, laghi e fiumi, come mezzo per allargare il comune, per allargare l'accesso alla nostra entità collettiva. È sotto l'egida di questa storia che più volte siamo andati sott'acqua, in un letto di posidonia a Saint-Jean-Cap-Ferrat, Abbiamo provato ad addormentarci sott'acqua (2018), o per suonare musica subacquea nelle insenature di Trayas, Jazz sott'acqua (2021). Tutto intorno, l'acquaQuesta è la storia delle storie che diventano immagini e poi miti. Una di queste si è svolta nel settembre 2021 al lago di Saint-Cassien, per la mostra Under Chaos, Life, una sorta di introduzione alla mostra All Around, Water. Mantenere la posizione per otto secondi sott'acqua, risalire e immergersi di nuovo. Lo ripetiamo il più spesso possibile... La fotocamera, collegata a un congegno volante a elica, scatta foto a intervalli di cinque secondi. Quindi dovevamo tenere sincronizzato almeno quel tempo, più il tempo di immersione. Impegnativo! Quel giorno eravamo in cinque: Aimée, Benoît, Diego, Katalina e Yoan. Costretti dagli oggetti circostanti per le scene, abbiamo spostato le pietre da una sponda all'altra. Il loro peso ha richiesto uno sforzo di collaborazione. Un'opera che può sembrare assurda o incongrua, ma i cui corpi, affidati al potere evocativo dell'acqua, esaltano la nostra immaginazione. Le immagini che emergono si mescolano con i nostri archetipi culturali. Ogni sfida ha due facce: quella che vi si oppone e quella dell'opportunità che vi offre. Quel giorno si risolse il mito fondante dell'individuo moderno, il mito di Sisifo divenne un'epopea collettiva. Ricostruendo il significato perduto del lavoro eternamente ripetuto in un elemento comune. Questo secondo volto della gioia risuona nell'acqua, con noi.

Collettivo Sisifo II, 2021

L'acqua dei mari sta salendo, quella dei fiumi e dei laghi alla fine dell'estate del 2022 era al minimo. Abbiamo cercato i campi di posidonia che ci hanno permesso di realizzare la serie Hydrophila ^[4] qualche mese prima, erano fuori dall'acqua. Cosa può fare la gioia, se l'acqua scompare? Cosa può fare la gioia se non mutare in una scarica elettrica per disconnettere le piattaforme di borsa, il capitalismo e le Intelligenze Artificiali che ci succhiano il reale? Che cos'è la gioia senza il declino economico? Queste parole non sono un'ingiunzione alla felicità, tale ingiunzione sarebbe sempre discutibile se non richiedesse al rivoluzionario di germogliare e crescere. Senza una rivoluzione anticapitalista, senza una rivoluzione di genere e senza una rivoluzione ecologica, la gioia è solo intrattenimento. L'artista è ancora quell'individuo eccentrico che attira la luce per la libertà di essere se stesso, per l'indifferenza che mostra nei confronti della pressione delle norme sociali? L'arte è e deve essere il rumore di un individuo liberato? L'arte e la libertà, sorelle l'una dell'altra, hanno visto il loro rapporto evolversi profondamente negli ultimi decenni. L'avanguardia artistica, lungi dal voler semplicemente godere della propria libertà, convive con questi vincoli ecologici e sociali per immaginare come costruirne uno nuovo, collettivo, in eco con l'ambiente. Con l'Antropocene e il collasso all'orizzonte, gli artisti devono affrontare una sfida importante. Si trovano, come risultato della modernità, a essere collocati sulla pietra angolare centrale delle norme che hanno costruito l'individuo. Mentre siamo diventati tutti artisti attraverso tecnologie e reti come Instagram e TikTok, creatori di tutto e di niente, Fluxus nostro malgrado, è arrivato il momento per l'artista di ritirarsi, come atto di resistenza e costruzione. Ciò avviene ponendo l'accento sul riesame del proprio rapporto con l'ambiente e con la collettività. Senza il collettivo, l'ecologia e, più in generale, tutte le lotte falliranno. Senza dubbio ci sarà ancora un'opera di catarsi prodotta dall'arte, che scioglie la mente e proietta il mondo del lavoro dell'autore, la cui raffinatezza e il lavoro personale di questi creatori sono e saranno sempre ricchi di contributi di sensibilità. L'opera lascerà comunque un segno, ma non un movimento. Se dagli anni Ottanta è più difficile riconoscere i movimenti artistici che si sono succeduti, è perché la storia si interroga ancora sulle individualità che portano avanti questi movimenti. Ma da allora la posta in gioco non è più un artista contro un altro, un'individualità contro un'altra, ma qualcosa dell'ordine di una lotta condivisa, di una libertà collettiva. Così, le lotte sociali e societarie e l'ecologia sono diventate il treppiede di un movimento che l'arte e le nostre società moderne stanno prendendo. Possiamo vederla come una costrizione e alcune persone ne soffrono. Non è raro che la concentrazione di temi (intersezionali, femministi, sociali, ecologici) escluda automaticamente dal campo pubblico un numero significativo di artisti il cui lavoro si concentra sulla raffinatezza dell'espressione individuale senza un interesse sociale diretto. Sebbene sia giusto affermare che si tratta di un momento sistemico, ad esempio la Biennale di Venezia del 2022 per la prima volta ha avuto più donne che uomini e la Biennale di Istanbul ha raggiunto una percentuale di circa l'80%, non è giusto sostenere che l'accesso sarebbe precluso a coloro la cui arte non è "abbastanza minore". Ciò che ha senso oggi nell'arte è profondamente legato al comune e ognuno di noi, indipendentemente dalla propria identità, può trovare la felicità solo partecipando a questa costruzione. E se il nostro lavoro è comune, lo è anche la nostra intelligenza. L'intelligenza è un'abilità collettiva, non pensiamo da soli, forse non pensiamo affatto, siamo solo un'eco, un miraggio della somma dei pensieri circostanti, essi stessi miraggi... Non creiamo da soli, le nostre invenzioni sono collettive, le nostre opere anche. Stiamo lavorando alla costruzione di una frase che è ancora agli inizi e che si collega a ciò che riteniamo essenziale: disegnare un nuovo mondo attraverso la nostra gioia. Quando Picasso diceva: "Se i piccoli artisti copiano, i grandi artisti rubano", era perché aveva capito che quel poco era in fondo suo. Più un artista è riconosciuto, maggiore è il furto. Tutto è un'eco di questo frastuono collettivo, acquisito con la parola, la vista, la serendipità o la telepatia. Se furto e proprietà sono sinonimi in Marx, lo sono anche nell'arte. La firma che monopolizza l'opera è un segno dell'individuo, partecipa alla creazione della storia dominante rivolta verso gli individui, il capitale e il viriarcato. È della stessa natura dell'accumulazione primitiva, tanto che l'opera stessa, quando l'artista ha accumulato un potere sufficiente, viene infine restituita alla borghesia, aggiungendo capitale culturale al suo capitale finanziario. In quanto tali, gli artisti diventano i garanti della struttura sociale. ^[5] . L'intelligenza e l'intuizione sono risorse collettive ed è trattandole come tali che possiamo costruire un rapporto con la natura. Che siate colibrì, localisti o rivoluzionari, siamo afflitti da paradossi che ci impediscono di creare, di vedere apparire questo nuovo mondo, mentre quello attuale sta crollando. Quando avverrà questa fine del chiaro/scuro annunciata da Antonio Gramsci cento anni fa? La questione non è di tempo, ma di vita. E della vita conosco solo la gioia che contiene quella forza capace di resistere all'entropia crescente. La scienza sviluppa modelli predittivi, la politica legifera sulle questioni ambientali, i media comunicano e sensibilizzano. È comune vedere mostre che hanno come tema principale la consapevolezza ecologica. L'arte viene talvolta confusa con la questione di quest'ultima, come possibilità di sensibilizzare l'opinione pubblica sull'imminente catastrofe climatica. Tuttavia, questo non è il suo ruolo. Non è nemmeno il suo ruolo quello di tradurre tra contenuti scientifici e pubblico, come mezzo per comunicare meglio con le emozioni dove la ragione fallisce. L'arte costruisce semplicemente un'estetica. È in questo modo che la libertà che prima sembrava essere limitata sembra rinascere qui, come ricerca di un'estetica le cui relazioni sembrano essere in sintonia con le preoccupazioni del comune. Questa ricerca di accordo è un'espressione di libertà. Si può facilmente associare l'idea di costruire un'estetica alla "ricerca del nuovo", immaginando altre forme pittoriche di espressione plastica e spostando i confini. Qui definiamo l'estetica come un insieme di gesti e comportamenti la cui fonte è co-costruita tra l'individuo e il suo corpo sociale con l'obiettivo di integrare la sostanza di questo legame in un'immagine: l'etica. Vale a dire, integrare, attraverso la loro sensibilità, elementi che creino in un'immagine in senso lato (foto, video, performance, scultura, ecc.) un equilibrio, una tensione, la cui sensibilità ed emozione siano legate a una preoccupazione. Integrare nel lavoro una risonanza delle percezioni etiche del rapporto tra individui e ambiente. Si differenzia da una concezione più classica in quanto implica che gli elementi che compongono un'immagine sono sempre legati a una situazione, a un momento economico, sociale e culturale. L'estetica, prima di essere una disciplina puramente plastica, cioè una vibrazione della sensibilità all'interno della materia, è prima di tutto la costruzione di una visione. Costruire questa estetica significa costruire un'etica della percezione. Un'etica della percezione non si riduce alla rappresentazione di un'idea in un'immagine all'interno di un'opera - rappresentazione della fragilità della natura, rappresentazione della violenza sociale, della guerra - ma è proprio attraverso la presenza di comportamenti collettivi (antropo-relazionali, o eco-relazionali), che emerge un equilibrio nell'opera-immagine come sistema armonico di valori la cui posta in gioco è emozionale. Il lavoro diventa molto più dello scatto finale (per foto o video), è il lavoro sensibile sui legami umani e sul loro rapporto con la natura. È attraverso questo prisma che si può creare una tensione palpabile tra l'attuale collasso della nostra società e la gioia. Diventano inseparabili perché i loro destini sono così intrecciati. In Tutto intorno, l'acqua L'immersione dei corpi è un angolo scelto per costruire questo legame tra noi e la natura. " Non stiamo difendendo la natura, siamo la natura che si difende. Questo slogan, scandito nelle proteste per il clima almeno dal 2016, riecheggia questa idea e traduce politicamente come l'estetica ricomponga le nostre identità: non ci riconosciamo più in questo individuo normato dal capitale (consumatore), ma solo nella natura. In cosa consiste questa estetica? Se non ha la sua fonte nella pittoricità, e poiché la maggior parte dei suoi elementi sono appena percettibili, come si può dargli un contenuto? Tra le tante risposte e strumenti possibili, ne citiamo uno che si chiama: lamacchina volante. L'espressione macchina volante è un'espressione che è apparsa nella mia pratica molto prima dell'uso di un drone, e non si riferiva a questo oggetto. L'oggetto macchina volante non è solo destinato a creare un'immagine, non riguarda la plasticità pittorica prodotta, ma la permea indirettamente. È un metodo per far emergere il lavoro sulle relazioni che gli autori hanno tra loro e con il loro ambiente. In pratica, la o le fotocamerevolanti sono un gruppo di diverse fotocamere, per lo più in modalità automatica, che vengono passate di mano in mano durante una sessione fotografica. Ciò offusca la stabilità del rapporto tra il fotografo e la modella. L'immagine non è più costruita da un solo sguardo, né da un solo genere. Tutti diventano a loro volta modelli e fotografi. La nudità ha storicamente, nella mia pratica, la vocazione di immergere il corpo nella natura, di rimuovere i segni culturali e sociali che il corpo vestito emette, di dichiarare che un corpo nudo non è solo sessuale. Per quanto l'autore cerchi di decostruirlo, il corpo nudo tende a produrre uno "sguardo maschile" che oggettivizza e normalizza il corpo femminile. ^[6] . La macchina volante è in questo senso uno strumento che incrocia collettivamente i nostri punti di vista, dando a ogni individuo un ruolo e una considerazione uguali. L'autore diventa ciò che è comune nell'individuo. ^[7] Resta il fatto che il collettivo è sempre effimero, che emerge e poi si dissolve, in un ambiente in cui troneggia l'individuo. Anche se è resistente, è difficile liberarsi dalle modalità organizzative della società. Per questo il collettivo non è mai uno stato di fatto, anche se diversi strumenti possono dargli una materialità (un'associazione, un luogo, una pratica collettiva o semplicemente un nome), è sempre un contropotere rispetto a entità più grandi e stabili. Al balbettio della mia domanda così candida: La gioia, oltre che ridicola, è solo desiderabile? Aimée Fleury, rifiutando l'interazione totalizzante con la gioia, risponde: "Non ho nulla da aggiungere alla gioia". Questa frase è riecheggiata a lungo nella mia memoria. "È quantomeno sospetto, la gioia è spesso quella degli oppressori". Se dubito della sua risposta, dubito anche della mia. Quando parlo di gioia, evoco forse un desiderio libidinoso, un'ingiunzione al godimento celata in uno scopo ecologico e sociale, costruito da 5000 anni di viriarcato? "La gioia non ha bisogno dell'arte, è completa e autosufficiente", ha risposto. Molto più che un manifesto, questo testo è un interrogativo. Sostenere i paradossi da un capo all'altro del corpo e della mente, che a tempo debito apriranno nuovi paradigmi. Molto più che un manifesto, è un tentativo di mettere insieme un pezzo dell'abbozzo incompiuto, a volte maldestro o errato, dell'architettura del nostro mondo futuro.

Un ringraziamento prezioso a tutte le persone che hanno reso possibile questa mostra e questo libro: Elodie Antoine, Mona Barbagli, Tom Barbagli, Tristan Blumel, Evan Bourgeau, Katalina Cearca, Clémence, Flora Defaut, Diego Evrad, Aimée Fleury, Gabriela Guyez, Léonie Focqueu, Camille Franch-Guerra, Leah Friedman, Nina Kypraios, Sarah Laouini, Anne-Sophie Lecharme, Yoan Malet, Cédric Mounier, Pénélope Morterolle, Jean-pierre Soardi, Célia Vanhoutte, Eva Vautier, Anne-Laure Wuillai, Collectif Palam, Eva Vautier Gallery.

1. Non guardare in alto: Cosmic Denial, un film del 2021 di Adam McKay che metaforizza la negazione del clima. ↑
2. I limiti planetari sono le soglie che l'umanità non dovrebbe superare per non mettere a rischio le condizioni favorevoli in cui ha potuto svilupparsi e per poter vivere in modo sostenibile in un ecosistema sicuro, evitando cioè cambiamenti improvvisi e difficilmente prevedibili dell'ambiente planetario. it.wikipedia%C3% ↑
3. Fonte Iopscience Prevedibilità dell'innalzamento del livello del mare del XX secolo in base ai dati del passato. ↑
4. Fotografia di copertina ↑
5. La trasparenza, tuttavia, mi impegna a ricordare che firmo le mie opere, le numero, le valorizzo, le rarefaccio e le integro in un movimento culturale. In breve, li preparo per la loro acquisizione da parte del capitale, facendo affidamento sia sulla rivoluzione che sull'istituzione. E questo anche attraverso questo testo. Un difficile paradosso. ↑
6. È stato difficile per me superare o anche solo attenuare questi riflessi sociali culturalmente indotti. ↑
7. Le sessioni fotografiche spesso contengono più progetti, di artisti diversi, mettendo insieme i nostri corpi e i nostri strumenti, e dopo una ridistribuzione a ciascuno di loro di ciò che considerano il loro lavoro. Technocratically Yours creato da Aimée Fleury è il risultato di una di queste sessioni collettive. ↑

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